diumenge, 4 de desembre del 2016

"El tiempo y 72 formas de perderlo, o no"






El reloj es el instrumento más común para medir el tiempo de nuestras vidas, aunque también es bastante inexacto, ya que el tiempo es relativo para cada persona, dependiendo del momento, la compañía o lo que se haga con él. Yo tengo 22 años, equivalentes a 11.570.883 minutos. Números que miden nuestras vidas.

“El tiempo y 72 formas de perderlo, o no” es una obra con la que pretendo hacer una llamada a todos sus espectadores, para que no se conformen con lo que se supone que tienen que hacer y así reencontrarse con lo que son como personas, para dejar de medir nuestras vidas en tiempo, con números, y empezar a medirla con nuestro bienestar y crecimiento personal.

La espiral del tiempo cada vez se estrecha más, nos ahoga y nos asfixia sin dejarnos ver más allá del cumplimiento con un horario, llenar nuestras agendas por tanto se convierte en indispensable para no perder ni un solo minuto.
Como el conejo blanco del libro Alicia en el país de las maravillas, el hombre occidental se obsesiona en mirar constantemente las manecillas para llegar a cumplir todas las obligaciones del día, tantas obligaciones como uno se pueda poner encima. “No tener tiempo” es cada vez más común y hasta está bien visto, y dejar tiempo para uno mismo se asocia a la vaguería de no hacer nada.

No nos damos cuenta, pero mirando al reloj dejamos de vivir en el presente y nos centramos sólo en el futuro: cuánto queda para levantarme, llegaré tarde a la uni, cuándo acabará esta clase.

Esas manecillas nos dan la estabilidad y nos hacen sentir bien: si seguimos su dictado sin desviarnos creemos que no perdemos el tiempo. Este sentimiento responde a uno de los eternos miedos del ser humano de no estar aprovechando la vida. Pero ¿realmente lo aprovechamos o simplemente corremos una cortina hecha de planes y obligaciones para simular que lo aprovechamos y no admitir que realmente lo perdemos?

Cuantas veces hemos oído “hoy no me he sentado en todo el día” y esto nos lleva a pensar que esa persona no pierde el tiempo, pero ¿y si está perdiendo la vida?
Vamos de un lado a otro sin pensar, sin reflexionar, acatando nuestras obligaciones pensando que no hay otra forma de vivir. Y si, cuando te sientas, cierras los ojos y respiras... ¿es entonces cuando pierdes el tiempo?. Como la típica madre que regaña a su hijo por no hacer “nada”, te regañas a ti mismo por tener que hacer cosas.

Puede que tengamos que parar y empezar a darnos cuenta de que para ganar tiempo, para ganar vida, hay que empezar a perderlo, porque sino un día miraremos atrás y veremos que el tiempo ha pasado y que tú has cambiado sin saber ni cómo, dándonos cuenta de que lo que realmente has perdido es a ti mismo. Has cambiado drásticamente, como las manecillas del reloj de esta obra, y no te has dado cuenta, y ya no hay marcha atrás.

Entonces podemos decir que la mejor forma de ganar tiempo es en realidad perderlo (desde un punto de vista social) para ganar lo que realmente importa: autoconocimiento, tranquilidad, salud mental, hacer lo que nos apetezca, en definitiva ¡Vivir!.
Y es que al final, el Sombrerero Loco va a tener razón cuando decía “Si conocieras el tiempo tan bien como yo no hablarías de perderlo”.

Carlota Garrigós Serrano 2016

divendres, 2 de desembre del 2016

Día2. EXAMEN TEÓRICO

Con la guía docente en mano hemos realizado el examen teórico de la asignatura Análisis de la Forma, la luz y el color.

El ejercicio se ha basado en relacionar todos los ejercicios y contenidos vistos y hechos en clase durante el cuatrimestre con las capacidades que se nombran en la guía docente del curso ya que en teoría todas ellas tienen deben de haber sido alcanzados durante estos cuatro meses.

En teoría este ejercicio nos ha servido para repasar todos los conceptos del curso y reconocer lo que sabemos y saber como utilizar la información.

Página dos de la guía docente 2016-17 extraída del aula virtual 

dilluns, 28 de novembre del 2016

Día28. ARTISTAS

Conocer, recordar y redescubrir artistas, momentos en los que te sientes como una niña en una tienda de chucherías. ¿Cual era ese artista que tanto me gustaba? ¿A quien investigo y meto dentro de mi catalogo personal? ¿Cual era ese que tanto detestaba? El "gusanillo" del artista, podríamos decir.

Hay artistas que desde un principio los admiras, los grabas en la memoria y los recuerdas, hay otros que no entendemos y años después los redescubrimos con nuevos conocimentos y otros que conocemos de forma fugaz y recordamos levemente hasta que los volvemos a encontrar. Este ultimo (personalmente) es el caso de Duchamp el cual me lo mencionaron hace medio año y su obra se me quedó grabada pero no su nombre.

DUCHAMP

Ese loco rebelde que va en contra de todo lo establecido, que juega con los críticos del arte y se ríe a costa de lo academicista. ¿Para que firmar con su nombre? Es simplemente un nombre, unas manos. Se ha de juzgar la idea, el mensaje artístico y no el valor de las manos de quien lo realiza. A algunos les fascinó, a otros les rompió los esquemas y les quitó de las manos la oportunidad de comercializar con su obra (hasta ahora). Un gran artista que juega con la reacción humana, aunque reconociendo su mérito, por desgracia, acabamos con la verdadera "misión" de sus obras. La paradoja del arte.


gohighbrow.com
gohighbrow.com

Estas son sus dos obras que me hicieron grabarlo en mi memoria, fascinándome su intención de interactuar con el espectador, introducirlo en la obra y sacar su curiosidad induciendo a mirar, tocar, mover, etc. obras para ser tocadas. 


dissabte, 26 de novembre del 2016

EXPOSICIÓN JULIÁN CASADO


Fotografía extraída de
http://juliancasado.es/htdocs/biografia.html

Julían Casado

es un artista contemporáneo el cual asienta su estudio en Aranjuez tras haber vivido en distintas partes del mundo cultivandose como artista. Casado ha realizado una exposición en el centro Centro Cultural Isabel de Farnesio de Aranjuez a la cual hemos tenido la oportunidad de asistir como clase de estudiantes de Bellas Artes.
Su exposición gira entorno al estudios de la luz y las formas geométricas. Con las tres figuras geométricas básicas ha sido capaz de hacer un estudio exhaustivo de la luz en un "lugar" permanente:


Se trata de un conjunto de cuadros que nos transportan a una dimensión cubica en la cual la luz entra a este cubo por distintos puntos. El autor consigue trasladaron a ese ambiente y hace que a medida que avanzas en la visualización de su obra te cambie el estado de ánimo y generes distintas emociones gracias al tratamiento del color.

Aunque parezcan imágenes digitales, en realidad la técnica de su obra es acrílico sobre lienzos tratados minuciosamente al detalle consiguiendo unos degradados de la luz óptimos.


Fotografía realizada por Yaiza de Miguel

divendres, 25 de novembre del 2016

Día25. TEORíA DE LA LUZ

LA LUZ forma parte de nuestras vidas desde el inicio de la humanidad, ya sea natural o artificial. Sin ella no veríamos nada así que podríamos decir que tiene un gran papel en la formación del mundo. Sin luz no habría vida. 


Extraida de Cronica Norte

Extraida de www.madrimasd.org
Extraida de apologista.wordpress.com






Ya sea natural o artificial está es un gran recurso para el artista e indispensable que la conozca para hacer una obra realmente artística. 
Los grandes recursos que ofrece son la sombra y la penumbra: 

LA SOMBRA es aquel lugar al que la luz no llega y nos permite hacernos a la idea de la forma del objeto que la genera como también conocer su textura y material. En el arte tiene un gran simbolismo. Por ejemplo, si le das una gran sombra a un objeto pequeño puedes estar transmitiendo que este lleva un gran peso a sus espalda (un gran secreto). 
En la luz, te puedes esconder, tanto en aquellos puntos donde no llega, como detrás de ella aprovechando que deslumbra. Por ejemplo, en el cine los malos siempre andan escondiéndose en la sombra o aparecen tras un rallo cegador de luz. 

LA PENUMBRA es el espacio intermedio entre la luz y la sombra y permite enseñar algo ocultando una parte. Da gran juego y simbolismo. 

dilluns, 21 de novembre del 2016

Día21. LA LUZ

Como punto de inicio para comprender la Luz, hoy en clase hemos realizado una actividad en el laboratorio de fotografía acompañados de nuestra profesora MJ. Abad y con el soporte de la fotógrafa Irene García León en el laboratorio de fotografía.

 
Fotografía extraída del blog nodriz de MJ. Abad


La actividad la hemos realizado con nuestras cámaras digitales.
Para los que era el primer contacto con la fotografía hemos podido iniciarnos en la obturación a través de los tiempos de exposición y de la abertura del diafragma haciendo ensayos divertidos de los cuales han salido fotografías como estas:


Fotografía realizada por Quique Gálvez

Fotografía realizada por Celia Lindo y Claudia Hormaechea


Esta practica nos ha permitido conocer un recurso más de fotografía basado en la luz:
Se programa un tiempo de exposición lento y un diafragma abierto haciendo pruebas para ver cual es la que mejor queda según la luz y el movimiento de la imagen. El enfoque se realiza con la luz encendida porque si no al apagar la luz no acaba de enfocar y no se hace la foto. Cuando se apaga la luz se dispara la cámara y en los segundos programados se va iluminando la imagen a fotografías enfocada con linternas y filtros de colores al gusto. El modelo también se puede ir moviendo para conseguir distintos efectos.

divendres, 18 de novembre del 2016

Día18. DOSSIER ARTÍSTICO

Todo artista ha de tener su dossier ya que es la presentación de si mismo y de lo que hace ante el mundo artístico. Antes de empezar a hacer uno hay que saber de que tipo lo queremos: si queremos que reúna toda nuestra vida artística o si solo queremos presentar una obra. Esto dependerá para que y para quien sea.

En esta entrada os presento de forma general tanto su contenido como sus requisitos.

REQUISITOS

1. Estar bien identificado.
2. Orden coerente.
3. Medidas mínimo A5 máximo A4.
4. Fotografías de calidad.
5. Guardado en varios formatos.
6. Localizado con un número ISBN para concurso de méritos.
7. Registrarlo en el registro de propiedades y en la VEGAP (si nos interesa).
8. Imprimirlo de forma profesional con el formato y los materiales acorde al contenido.

CONTENIDO

- Título: es muy importante. Ha de ser original pero con un sentido acorde con el contenido.
- Nombre del artista.
- Web del artista orientada al contenido del dossier.
- Paginas de cortesia.
- El ISBM.
- Nombrar al maquetador, del encuadernador y del fotógrafo.
- Técnica.
- Indice del dossier.
- Indice de imágenes.
- Presentación en dos frases del artista y su obra.
- Presentación de la obra (resumen del dossier).
- Como surge la idea de la obra.
- Concepto de la obra.
- Desarollo de la obra.
- Curriculum.



dimarts, 15 de novembre del 2016

LIBRO DE LA BIBLIOGRAFÍA

EL HOMBRE QUE ANDABA EN EL COLOR



ELECCIÓN DEL LIBRO

El libro lo he escogido en base a que principalmente quería leer algo que me aportara algo más de lo que ya se en el ámbito del color ya que es el ámbito que menos he desarrollado del arte y es muy importante. A demás en una de las primeras clases se habló de él y lo aconsejaron así que investigué y acabó siendo la elección.

extraída de la web http://losefectos.com.
DATOS DEL AUTOR 

Georges Didi- Huberman proviene de familia de artistas, su padre era pintor. El también ha tenido gran interés por el arte y por eso es historiador de arte, filosofo y ha realizado teatro.
Lo mas destacado de su trayectoria profesional son sus ensayos sobre la imagen que también van relacionados son la historia del arte.

CAPITULOS

- Introducción
- Andar en el desierto
- Andar en la luz
- Andar en el color
- Andar en el espaciamiento
- Andar en el límite
- Andar bajo la mirada del cielo
- Caer en la fábula del lugar

RESUMEN

El libro del Hombre que andaba en el color es un ensayo que habla de la percepción humana del mundo a través de un lenguaje muy metafórico. El libro se desarrolla a través de la historia, en distintos espacios con distintos colore y distintas luces analizando con ello la percepción que todo ello nos proboca. Par ello se basa en el análisis de la obra de James Turrell de la cual va haciendo constante referencia.

Así pues se presenta a un hombre (o eso nos parece) y su parte más espiritual que anda sobre un desierto amarillo, un lugar monocromo que parece vacío, pero realmente está lleno de color. Un color plano que angustia. Este "hombre" descubre distintos lugares y se acaba presentando 350 años después en un lugar completamente distinto al del principio: se encuentra en las ciudades repletas de colores y de iglesias en las que se conecta con la espiritualidad, con el ausente. Esta espiritualidad pero se presenta de color amarillo, como el espacio vacío y monocromo del principio.

Los año pasan y cuando los colores se vuelven saturantes para el personaje, este recurre a las texturas para entender las coses ya que con tanto color su mirada se vuelve borrosa, no ve.
En uno de los capítulos se habla también del sueño y su importancia para entender y recordar todo aquello que vemos.

Finalmente se hace un análisis bastante exhaustivo de la obra de Turrell el cual permite entender y repasar todo lo nombrado en el ensayo: desde el punto de vista del color, la textura, la luz, el espacio, etc.

INTERPRETACIÓN DE LA OBRA

El libro es una gran metáfora de la cual yo interpreto de forma personal que habla de como la creencia en un dios, en lo espiritual, que se manifiesta de forma ausente a condicionado el arte a través del tiempo y el color de este. Esta ausencia siempre se acaba materializando de una forma o otra y guía al ser humano que cree en ella y establece una alianza con esta creencia, e incluso para los que no, el concepto de este también lo acaba entendiendo y viendo materializado normalmente a través del color.
Por ejemplo se habla de un momento histórico en el arte occidental en el que el ser humano hace un pacto con el ausente cristiano y esto se refleja en el arte ya que se crean iglesias en el que la presencia de este ausente se manifiesta. Los dorados de los mosaicos bizantinos por ejemplo hacen que el ser que entrase en los templos percibiera lo ausente y este lo dirigía hacia el punto central de este templo, el altar.
Se hacer un recorrido a través de la historia del arte acabando en la obra de James Turell. En este recorrido se descubren colores, luces, lugares, emociones, etc. que se relacionan constantemente con los colores que son la base de nuestro mundo (también la luz que los crea).

PUNTOS FUERTES

De forma personal creo que el punto fuerte de este libro son sus descripciones. El autor te sumerge en un entorno de color casi palpable que permite experimentar distintas emociones y sensaciones. Esto me ha permitido entre muchas cosas abrir una nueva visión más tolerante y comprensible hacia el arte contemporáneo y todos esos autores que basan sus obras en los colores.

DEBILIDADES

Creo que el fallo de este libro es que los lectores podrían sacar mucho más provecho de el si en vez de estar tan referenciado pudiera explicar un poco más su propia idea con sus palabras ya que esto hace que se pierda el hilo en algunas partes.

SUS COMENTARIOS EN LAS REDES

En la red lo único que he encontrado de este libro es la reseña de las casas de libros y los trabajos de compañeros de otros años los cuales me ha gustado ver ya que ha sido curioso ver como cada uno hemos interpretado el libro de forma muy distinta.

QUE ME HA APORTADO

A sido un libro interesante desde el punto de vista del análisis del mundo para después poder analizar las obras de una forma más completa.
Aunque lo que más me ha aportado es la paciencia para leer un ensayo ya que es un lenguaje denso y aveces te hacer perder el interés. 

dilluns, 14 de novembre del 2016

Día14. CONFERENCIA HELENA TRUJILLO Y TALLER POR LUCÍA HERVÁS

Escuchando como encaja el psicoanálisis en nuestra situación como futuros artistas la cabeza me da vueltas y llego a varias reflexiones, algunas ni se como expresarlas pero aquí intentare hacer un resumen de todo ello.

Para empezar tenemos que entender la poesía como la máxima expresión del simbolismo y esta entendida como toda forma de arte. 
También tenemos que entender el artista como el creador de cosas nunca producidas. 

En base a esto queremos saber que es lo que realmente hace que un artista sea un autentico artista.
Según la exponente, todo producto realizado no deber reflejar al propio artista sino que debe ser un producto general de temática humana en el que todo ser humano se pueda sentir reflejado, aunque inconscientemente siempre acabaremos reflejados (pero no apropósito) . De este modo la obra podrá ser el "alimento del alma", es decir que causara una impacto en cada persona que la vea. Es así como se puede detectar la calidad de una obra.

Para hacer obras de calidad por lo tanto el artista debe trabajar muchos ámbitos:


  • La salud psíquica y social pudiendo tener una actitud receptiva a todo tipo de situaciones y gente, de este modo el artista puede aprender de todas las situaciones, conocer todos los aspectos humanos y no cerrar su ámbito de trabajo para así en sus obras poder llegar a todo el mundo. 
  • El proceso de creación. En este proceso debemos saber dejar nuestra parte más consciente y saber dejar fluir a lo inconsciente. En este proceso puede ayudar el estudio del psicoanálisis. 
  • Psicoanalizarnos puede ser una herramienta para el artista, otro mundo a explorar, otro recurso más. A través de este proceso podremos observar a demás nuestra propia evolución viendo que hoy no soy el mismo que ayer y que por eso las propias obras hoy nos pueden causar una impresión y mañana no o viceversa. Importante para saber nuestras propias obras y no desvalorarlas o caer en el narcisismo de "todo lo hago bien". 
  • Tener la ambición de querer cambiar la sociedad constantemente, fotografiar la actualidad y querer traspasar el conocimiento a las generaciones futuras. 


Si  trabajamos estos ámbitos, nos comprometemos con la sociedad, nos formamos constantemente, los más probable es que el "amor" por nuestro trabajo se mantenga.

Ser artista es un reto difícil que ya hemos empezado. Hoy hemos ido un paso más allá y hemos trabajado la creatividad de forma rápida con un ejercicio de arte terapia. Este a sido el resultado visible de mi ejercicio:







divendres, 11 de novembre del 2016

Día11. EXAMEN SEGUNDA PARTE

La parte del examen de hoy se ha basado en nuestra capacidad de evaluación mediante los conocimientos que tenemos.

La base del ejercicio a sido la parte del día anterior ya colgada en la ultima entrada.
En grupos de cinco se som ha repartido aleatoriamente cinco ejercicios de nuestros compañeros de clase (identificados con pseudonimos). Estos los hemos evaluado de forma individual los cinco con una escala del 0 al 2 con los siguientes items:

• Se han elegido bien las imagenes.
• Se han conseguido los mismos tonos de las imagenes.
• Los complementarios son los correctos.
• Los adyacentes son los correctos.
• Se ha completado el ejercicio.

Un vez hecha la evaluacion de todas las laminas individuales con nuesto grupo de cinco las hemos vuelto a evaluar en grupo.


dilluns, 7 de novembre del 2016

Día7. EXAMEN PRIMERA PARTE


Aunque en las fotografías los colores pueden variar, aquí dejo el examen de hoy.


La primera parte se ha basado en buscar en una revista los colores de nuestar paleta basica, recortarlos y pegarlos en un A3 pintando el color a acrilico al lado.

En la segunda parte se ha tenido que pintar de cada color el complementario (izquierda) y los adyacentes (derecha).

El viernes se realizará la última parte del examen.

divendres, 4 de novembre del 2016

Día4. EL PAPEL DE MI VIDA (VITRUVIO)


Ejercicio de clase: Recortar nuestra silueta en un papel y demostrar la proporción áurea o las proporciones de Vitruvio en nuestro crecimiento con nuestras propias medidas.


LA DEMOSTRACIÓN
  • Mi altura es igual a el largo de mis brazos estirados en cruz. 
  • Del codo a las puntas de los dedos mide 1/4 parte de mi cuerpo: de los pies a media pierna mide un codo, de media pierna a los genitales mide un codo, de los genitales a los pezones mide un codo, de los pezones hasta la frente mide un codo y de hombro a hombro mide un codo.
  • El ombligo es el centro del cuerpo.
  • Mi palma es 1/6 de mi codo.
  • Cuatro dedos es una palma. 
  • El largo que va de la nariz a la barbilla es el hancho de la cara. 
  • El rostro está dividido en tres partes iguales. 








INTERPRETACIÓN DE LA OBRA

La silueta la he realizado en papel del periódico de mi pueblo, l'Ametlla del Vallès. He escogido las hojas aleatoriamente y en ellas he subrayado o tachado palabras, lugares y conceptos que forman parte de mi. Por ejemplo: he subrayado PICA, o la Escuela brassol porque son una parte importante de mi vida. Por otro lado he tachado la caza de jabalí en mi localidad porque va en contra de mis valores. 
El color de subrayado es el verde. 

divendres, 28 d’octubre del 2016

Día28. LA TEXTURA

¿Qué es la textura? 

Pues hay muchas definiciones, pero des del punto de vista del análisis de una imagen la textura es la materia que cubre un objeto. Esta materia puede tener muchas características como la suavidad, la viscosidad,  la temperatura, etc.
En la clase de hoy nos hemos iniciado en el mundo de las texturas viendo los distintos tipos y la distintas técnicas para realizarlas en nuestras obras.

Ejercicio de clase: En media hora para aplicar las técnicas de texturas se ha de realizar una figura a la cual no corresponda la textura elegida. 

Ejercicio de Carlota Garrigós
Este a sido mi resultado. Para empezar el ejercicio me he paseado por la clase observando texturas, tocando, etc. y al final la que más me a gustado ha sido la de las banquetas. me recordaban un poco a las púas de un erizo.
He pensado que sería divertido un pájaro con púas así que finalmente me he decidido a elegir un pájaro como figura.
Antes de empezar a coger las texturas, he hecho un dibujo de las partes esenciales del pájaro que quería dejar en blanco y con bordes definidos con cinta: El pico, el ojo y la cola. A continuación he hecho la parte de las púas (parte de arriba del pájaro) con la textura de la banqueta a trabes del frote sobre papel con grafito puro ya que esté material me ha permitido marcar mas los punto. Después he seguido investigando un poco con las técnicas presentadas borrando la parte pintada de azul tanto con goma normal y plantilla (los rectángulos) como con la cola de la cinta a toquecitos.  Finalmente con polvo de grafito he hecho el fondos con boli he hecho algunos detalles y he despegado la cinta.




diumenge, 23 d’octubre del 2016

Día21. UNA RETROSPECTIVA. MARCEL BROODTHAERS

La exposición temporal del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sófia alberga 300 obras aproximadamente del arista alemán Marcel Broodthaers.

Marcel Broodthaers empezó su carrera artística con la poesía, la critica periodística y la fotografía; hasta convertirse en unos de los artistas visual más influyentes y reconocidos a nivel internacional.
En sus obras visuales cuestiona la representación artística jugando con materiales poco usuales en el mudo del artes como los huevos y los mejillones.

Fotografia extraida de
http://www.museoreinasofia.es
El artista trata varias temáticas en su obra influenciado por su propia vida: la critica al arte como moneda de cambio, la guerra, la humillación que esta crea, la defensa de las banderas y fronteras, juega con las palabras y los ritmos de forma visual, el concepto de la palabra mejillón, etc.





Fotografia extraida de
http://www.museoreinasofia.es
La forma de exponer sus obras me ha resultado un tanto curiosa. Han creado un recorrido de juego visual que empieza en una sala llena de palmeras.
Lo de las palmeras me ha chocado bastante. Yo he llegado al museo con una idea preconcebida de lo que me podía esperar, pero al entrar en esta primera sala llena de palmeras el choque ha sido tal que todas esas ideas han desaparecido para pasar a un estado mental más abierto. En ese momento lo primero que he pensado es que en las siguientes sala podría haber cualquier cosa.

Mi paso por esta exposición ha sido muy enriquecedor ya que ha sido uno de mis primeros contactos con una exposición de arte visual de estas características y con ayuda de Mariajeus Abada he podido empezar a entender como afrontar una obra de este tipo. Entender cada pieza por lo tanto ha sido una tarea un tanto complicada pero acompañada de mi compañera Yolanda hemos ido hurgando en el mensaje de estas.

dilluns, 17 d’octubre del 2016

Día17. ESTUDIO DEL COLOR GRIS

Después de investigar con mi grupo de trabajo del color gris, hoy en clase hemos expuesto el resultado a nuestros compañeros en seis minutos. Este ha sido el resultado:




En la lengua Española Gris proviene del provenzal gris, esta del latín griseus y esta del holandés g rij la cual significa anciano canoso. Antiguamente, cuando adoptamos la palabra no se decía gris, sino g risa ya que se relacionaba con un tipo de ardilla (la grisa) con el pelaje completamente grisáceo.

El termino tal como gris se empezó a usar sobre el siglo XVI, aunque se ha encontrado su empleo sobre alrededor del siglo XII aunque de forma casual.


En nuestra cultura se le considera el color sin fuerza que no es ni blanco ni negro por transmite muchísimas cosas: neutralidad, pasividad, indecisión, falta de energía, duda y melancolía...
No es un color cálido ni frío, ni se asocia a la espiritualidad ni a lo material, por eso se le relaciona también con el aburrimiento, la resignación, la pasividad, la introversión y la humildad.

Debido a su neutralidad lo muchos altos cargos lo utilizan como color de su vestimenta.
Aunque los sentimientos sombríos se asocian con más intensidad al color negro, al color gris también. También simboliza la falta de sentimientos, la vejez, la pobreza, la miseria y la modestia.

El gris también alude a la reflexión, a la teoría y sorprendentemente al mundo de los secretos.



En la cultura asiática : en general es color gris es un color ambiguo, es decir, que el impacto y la sensación que crea va asociado a la vida de quien porta ese color. Por lo que su significado varía según la persona.
Para algunos connota frustración y desesperación, aunque para otros puede significar equilibrio y soluciones.

En Japón concretamente lo relacionan con la confusión y el miedo al futuro.


El color gris significa la melancolía, la duda, etc. Se caracteriza por no tener fuerza, pero a su vez significa orden, responsabilidad, constancia, disciplina. Es un color al que asociamos la vejez, la inteligencia.
Suele ser un color que transmite sensaciones negativas como pueden ser la tristeza y el aburrimiento y que no estimula la creatividad.


  • Pipas.
  • Semillas de amapola.
  • Pescado.

 



Salida de la fábrica de Lumiëre- 1895- Director Louis Lumiére Es un documental de 46 segundo grabado en Francia. Fue la primera producción en la historia cinematográfica.

Casablanca- 1942- Michael Curtiz. Narra una historia romántica en Casablanca (Marruecos). Esta basada en la obra de teatro Todos vienen al café de Rick de Murray Burnet y Joan Alison.
Lo que el viento se llevó – 1939- Víctor Fleming, George Cukor y Sam Wood. Es un clásico para la historia del cine. Esta basada en la novela Lo que el viento se llevó de Margarte Mitchell.

El padrino- 1972- Francis Ford Coppola. Basada en la novela de El Padrino de Mario Puzo
EL gran dictador – 1940- Charles Chaplin. Charles Chaplin fue el único que dirigía películas mudas cuando el sonido ya estaba dentro de la industria del cine y esta fue su primera película sonora.

 


La primera obra que nos encontramos es El Guernica, su autor es Picasso. Esta obra alude al bombardeo de Guernica en la Guerra Civil, fue encargado por la República. Está compuesta en una escala de grises para acentuar el dramatismo,esto en arte se denomina grisalla. Me ha parecido interesante mostrar como sería la obra con color para poder admirar los que se llega a conseguir con esta desaturación completa.

Después podemos ver la obra de Antonio Maura llamada Grito no7, en ella podemos admirar como con unas sencillas líneas grises se puede transmitir tanto. A continuación están dos de la serie de Los Caprichos de los grabados de Goya los cuales son críticas sociales y burlas de lo absurdo a la sociedad de la época.

Las marcas en vez de el gris utilizan más bien el plateado, el cual transmite elegancia y dinamismo, por lo que se usa en marcas como estas, de electrónica y lujo.


En la publicidad he de destacar dos formas de utilizar la escala de grises: 
1. Usado para expresar elegancia,estilo, distinción. Como en estos dos
anuncios, de una colonia y un vino
2. Usado para resaltar el color propio de cada marca, como el rojo vivo de
estos dos.

 




En este paso decidimos poner un tema y dibujo en concreto (melancolía y cara de una mujer) dando una total libertad artística, tanto de técnica como de composición, para después juntarlas todas en una misma.
Obra de Carlota: hecha a carboncillo y pastel, ella decidió dar vivez a la obra añadiendo otros colores.
Obra de Yaiza: Yaiza eligió la técnica del lápiz y solamente un ojo y una ceja, una de las partes más expresivas del cuerpo.
Obra de Vero: yo lo hice a diseño gráfico, juntando partes del cuerpo de distintas personas, utilizando una imagen de una cascada como lágrimas y metiendo de fondo un estampado monocromo.

 

dissabte, 15 d’octubre del 2016

Día14. IMÁGENES: GESTALT, ANIMALES Y DINERO

Frase del día de Robert Schumann: 
"Para componer, sólo tienes que recordar una melodía que no se le haya ocurrido antes a nadie"

Ejercicio de clase: Realizar imágenes teniendo en cuenta las cinco Leyes de la Gestalt presentadas escogiendo como temática los animales y el dinero. Complementarlo con un video y un making of.

Para entender el ejercicio presento a los personajes protagonistas:




1. Zorro con bufanda de humano.
2. Humano como comida basura.
3. Pelea entre humanos/gallos.
4. Serpiente polioperada con grasa humana.

IMÁGENES EN RELACIÓN A LAS LEYES DE LA GESTALT 


Ley Figura Fondo


Ley de la Proximidad
Ley del Cierre

Ley de la Similitud
Ley de la Simplicidad

divendres, 7 d’octubre del 2016

Día7. LA COMPOSICIÓN

La composición es la disposición de los distintos elementos que forman paste de una obra artística. Después de conocer las formas más básicas y útiles para el mundo artístico de la composición de una imagen, se nos ha propuesto el siguiente ejercicio:

Ejercicio de clase: Los alumnos hemos creado, en grupos, imágenes (fotografías) a partir de nuestros propios cuerpos basándonos en seis tipos de composición. A continuación dejo las imágenes de mi grupo con los tipos de composición que hemos elegido.



Respecto nuestras composiciones sabemos que una descendente transmite una sensación negativa y una ascendente optimista. La verticalidad nos lleva a la espiritualidad, nobleza, elegancia... en cambio una horizontal es más terrenal y estática. La composición triangular ascendente nos produce una sensación similar a la verticalidad, y la composición por repetición es algo que nos da confianza y siempre funciona dentro del mundo artístico.